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J. A. Marquez para www.aceroymagia.com
“Battleship”, una película de acción del siglo
XXI. Nos han querido vender que esta película es una adaptación libre del
popular juego de mesa de Hasbro de Hundir la Flota. La verdad que no te
equivoquen, no tiene nada que ver. Sí, dicen que Hasbro está detrás, pero bien
podía no haber estado detrás de ella, porque lo que sí tiene la película es un
gran presupuesto digno de cualquier superproducción.
Eso es lo que es Battleship, una excelente película
de acción repleta de efectos especiales. En esta ocasión, una flota combinada
de varios países se reúne en las costas de Hawai para unas maniobras de
combate. Todo va a la perfección hasta que aparece de la nada… una flota
alienígena. 3 destructores tendrán que hacer frente a 4 naves con una clara
tecnología muy superior.
Los efectos especiales y de combate son
espectaculares, en consonancia con los tiempos que corren. Mucho ordenador,
muchas explosiones y mucho fuego. Muertes, heroicidades y mucha bandera
americana, convierten a esta película en una excelente propaganda para la
Armada de los Estados Unidos. Es cierto que el film carece de sentido racional
en multitud de ocasiones, y que el guión hace aguas en todas partes.
Conversaciones vacías y personajes planos. El protagonista podría haber sido
cualquiera, pues incluso un busto de piedra tendría más expresiones. No
obstante, la aparición de Rihanna parecía salvar al elenco de actores, pero su
rol de chica dura es poco creíble, la verdad. La única figura que se salva,
como siempre, es el actor Liam Neeson, que cumple con creces su escueto papel
de almirante de la flota.
En resumidas cuentas, una invasión alienígena
poco creíble… ¿vienen del espacio naves espaciales siderales que luego no son
capaces de volar en nuestro mundo y se convierten en simples barcos? En fin…
más cine de palomitas.
Luces, Cámara y Acción. Llega por fin a España la película del Capitán América, el primer Vengador y el héroe que cierra la saga de films de Marvel que da el pistoletazo de salida para el estreno de tan esperada: "Los Vengadores".
Pero no adelantemos acontecimientos. "El Capitán América" nos cuenta la historia del joven Steve Rogers, un joven muchacho ansioso de servir a su país en el campo de batalla que se ha convertido Europa durante la 2ª Guerra Mundial. A pesar de no ser alto, ni fuerte, el joven tiene un coraje y una entrega sin igual, lo que le llevará a convertirse en el primer "súper soldado" de un secreto programa del gobierno estadounidense. Tendrá que hacer frente a la terrible organización nazi llamada Hidra, liderada por su más famoso archienemigo, Cráneo Rojo.
Esos son los orígenes del líder de los Vengadores, orígenes, que aunque han sido ligeramente retocados en el guión, respeta la idea y el concepto de este héroe: un enemigo del nazismo. La película, sin ser pretenciosa nos inunda desde un primer momento con imágenes, canciones y hechos acaecidos en los años 40, durante el terrible conflicto en el que murieron 55 millones de personas que después sería conocido como 2ª Guerra Mundial. A pesar de ser eso, el inicio de la vida Steve Rogers como el héroe americano más famoso de aquella época, el comienzo no se hace nada tedioso, sino que el espectador rápidamente simpatiza con el torpe muchacho que acabará convertido en un súper soldado.
El guión y la trama están perfectamente tratados, así como la estética y los clichés nazis. Al ser los malignos nazis los rivales de nuestro héroe, encontraremos muchos armaduras, máscaras y efectos especiales para hacer más terroríficos a los rivales del héroe de las barras y la estrella. Los guiños a otros personajes son notables, y de hecho, el padre de Iron Man, es uno de los personajes secundarios más importantes del film. Los actores cumplen su papel a la perfección y se enmascaran los clichés de sus personajes sin muchas dificultades, al ser personajes poco complicados, siendo quizás la interpretación mejor de la película la del propio Capitán… a pesar de ser una película de acción. Una historia que no dejará indiferente al espectador.
El primer Vengador, y quizás la primera película que todo aficionado a los cómics disfrutará realmente. El Capitán América ha regresado a la gran pantalla, y lo ha hecho por la puerta grande.
Uno de los héroes de cómic más venerado y de los más desconocidos: Cable. Este héroe del futuro encargado de proteger al bebe Messiah ahora tiene también una estatua esculpida a escala 1/6, cerca de 35 cm. de altura y la verdad, vaya “pedazo” de figura. La figura está hecha por la casa Kotobukiya, la misma que realizó las figuras de Hulk y Abominación que presente hace no mucho. Esta marca nipona es sinónimo de calidad y de realismo extremo, y cada vez que veo un producto de esta marca no hace más que reafirmarme lo que ya he dicho.
En este caso, Cable esta en postura de combate, como si estuviera disparando al enemigo, en una postura casi imposible, llena de realismo y fuerza que encantará a todos los seguidores del cómic. Además, lleva al niño que tiene que proteger dentro de una mochila: mochila que puedes retirar o dejar según te guste. Además, su ojo biónico está representado con una luz led que puedes encender o apagar según te guste. Una maravilla realizada en resina, perfectamente presentada en una caja blanca. Por supuesto, se trata de una edición limitada.
Ahora tengo en mis manos una figura del coche de Batman de las nuevas películas de Batman: Dark Knight, realizado en metal presentada en una caja elegante de color negro. La verdad es que el vehículo debe tener unos 25 centímetros y está muy bien logrado. Cuando he revisado la caja he visto que esta figura ha sido realizada por Hotwheells, marca de Mattel.
Ahora entiendo la excelente presentación y el excelente acabado de esta gran pieza a escala 1/18. Las ruedas se mueven perfectamente de un lado y a otro, pero, aunque haya sido una marca juguetera la que ha realizado esta excelente copia del coche del Caballero Oscuro, desde luego mi opinión es que no es un juguete.
La presentación cuidada, la plasmación del vehículo del héroe oscuro al detalle, y una edición limitada a solamente 5.000 unidades la convierten en una pieza de coleccionista que bien merece la pena tener en cualquier estantería sin necesidad de sacar de la caja original.
R.E.D. (“Retired, Extremily Dangerous”). Estas son las siglas que la CIA da a sus agentes retirados del servicio activo. Título de esta desternillante película que también se podría llamar Retirados Extremadamente Divertidos. Una genial película que reivindica a base de carcajadas el valor de la experiencia y sabiduría de agentes ya jubilados. Un cartel de excepción con excelentes actores para conseguir una de las comedias más divertidas del año: Bruces Willis, Morgan Freeman, John Malkovich y Helen Mirren que nos harán pasar un rato más que entretenido. Aunque muchos piensen que la película puede ser un sofrito de Space Cowboys (donde unos viejos astronautas se ponen manos a la obra) es algo mucho más que eso. Aunque el director sea uno de segunda fila (Robert Schwentle), los actores están a un alto nivel interpretativo, pero en esta ocasión, el genial John Malkovich hace sombra a todos al interpretar a un ex-agente más que paranoico. El espectador estará más atento a cada trastada del personaje interpretado por Malkovich que a la trama de la película en si.
Una excelente trama, escenas de acción justas y comedidas y muchas, muchas risas... a raíz de la incorporación de Malkovich a la trama principal. Una excelente película para pasar una divertida tarde.
Más Allá de la vida o más allá del tedio. A veces las películas no son lo que parecen y viendo los avances y trailers que podemos disfrutar tanto en internet como en nuestro cine habitual nos pueden llegar a confundir y tener una visión totalmente diferente de lo que podemos llegar a ver una vez que nos aposentemos en nuestra butaca para disfrutar de un nuevo film.
Más Allá de la vida es un claro ejemplo. El gran director Clint Eastwood ha realizado una película en la que la vida de tres personajes se van enlazando poco a poco. Un medium que desea llevar una vida normal dejando atrás su pasado con los muertos (genialmente interpretado por Matt Damon, el único que se salvaría de mi particular hoguera contra esta película), una periodista francesa que sufre una experiencia cercana a la muerte en una trepidante escena de Tsunami asiático (pero con demasiadas escenas digitales) y el hijo gemelo de una mujer con problemas de drogodependencia.
Vamos saltando entre uno y otro personaje, viendo como cada uno realiza su vida normal y trata de superar sus problemas cotidianos durante hora y media: el medium queriendo adaptarse a su entorno y trabajo, la periodista que quiere narrar sus vivencias y se encuentra con trabas para ello, y el niño pequeño que trata de superar la ausencia de un hermano perdido. El tedio comienza a generalizarse al cabo de una hora, al darnos cuenta que no estamos viendo una película sobre el Más Allá o experiencias cercanas a ella, sino tres vidas separadas que por una u otra razón se acaban cruzando, cuyo motor de existencia es la el ángel oscuro, la muerte.
La forma en la que los tres personajes se encuentran está cogida con pinzas, y la película desde el principio es totalmente previsible, porque el guionista, Peter Morgan, no sabe hacer bien su trabajo. A la última media hora de tedio, perdón... quería decir de película, ya entendemos de que va todo esto: es una historia de amor de final feliz donde los tres personajes alcanzan “la paz” espiritual.
Personajes atormentados por el ángel descarnado de la noche haciendo vidas normales, pero cada uno con su propia batalla personal: hacer una vida normal, contar una vivencia y sobreponerse a una pérdida personal. La película es un viaje, un viaje agrio y aburrido pues no hay chispas de genialidad o escenas emotivas. Matt Damon hace lo que puede, mientras que la periodista francesa, al hablar la mitad de la película en su idioma natal nos aleja de ella para hacerla distante, y pasarse más de la mitad de la película leyendo subtítulos para aquellos que no entendemos el idioma galo resulta cansado, más cuando no te has llevado las gafas para ver la proyección.
En definitiva, espero que no vayáis a ver esta película, porque estando los tiempos como están no merece el dinero que paguéis por ella. Espero que el señor Eastwood se lea los guiones antes de hacer una nueva película, porque desde luego, esta no está realmente a la altura.
Esta claro que lo que más llama la atención a los espectadores para acudan a ver una película a la gran pantalla es la presencia de actores mediáticos. Y esta película tiene a dos de los actores más taquilleros del momento: Angelina Jolie y Johnny Deep.
Claro esta que el director no es un desconocido para Hollywood. Florian Henckel von Donnersmarck, director alemán, ya ganó el Oscar a la Mejor película extranjera hace unos años, como guionista y director.
Pero como bien he dicho varias veces: ya está todo inventado. Como no podía ser de otra forma: The Tourist es un remake de una película de 2005 de Anthony Zimmer. Rodada en Venecia, nos cuenta la extraña historia de un turista americano (Johnny Deep) que viaja a Venecia para recuperarse de un desengaño amoroso. En el tren se encontrará con una misteriosa mujer llamada Elise (interpretada por Angelina Jolie) le engatusa para que le acompañe a su hotel, de tal forma que así la Interpol y los mafiosos que la andan siguiendo confundan a este turista con su escurridizo novio, un contable que ha robado millones a un señor del crimen inglés.
La acción transcurre muy lentamente, a medida que el cerco en torno al turista se va estrechándose y la Interpol y los mafiosos van haciendo acto de presencia. Mientras tanto, disfrutamos del divertido coqueteo entre la espléndida Jolie y el desconcertado turista magníficamente interpretado por Deep, que aunque se aleja mucho de sus papeles tan estrafalarios a los que nos tiene acostumbrados también tiene su encanto y punto cómico.
La acción, escasa en la película, transcurre siempre en la eterna Venecia, por lo que el director y el director de fotografía nos sorprenden con maravillosos cuadros venecianos. Finalmente, y con sorpresas incluidas en el guión, el espectador habrá pasado dos horas entretenido y pendiente de si finalmente el turista logrará (o no) conquistar el amor de la misteriosa mujer que le engatusó en el tren. Una película que recomiendo no se pierda nadie, pues es apta para todos los públicos.
Hemos tenido que esperar casi 30 años para ver la 2ª parte de Tron, la primera película de la historia ambientada en un mundo digital. La pregunta que todo el mundo se hace es: ¿ha merecido la pena la espera? Sin duda, la película está a la altura de las expectativas depositadas en ella. La factoría Disney está detrás de un proyecto que ya viene apoyado de base por el antiguo director, Steve Lisberger, ahora convertido en productor. Por si esto fuera poco, en 2009 aparecía un juego basado en la misma película llamado Tron: Evolution que nos desvelaba parte del nuevo look de la nueva era digital.
Basándose en los modelos anteriores de motos, vestuario y demás atrezzo, la recreación esta muy bien elaborada y la historia del antiguo creador Kevin Flynn continúa en esta segunda parte, por lo que sabremos que ha sido de aquellos personajes que conocimos en los 80. En realidad no de todos, porque Yori (la antigua heroína digital de los 80) ha sido borrada de un plumazo y no sabemos que ha sido de su futuro (cosas de las segundas partes).
Los guiños a la primera parte son muy notables, pero se echan de menos las luchas de tanques de su predecesora, así como las bolas de luz del ¡SÍ, NO! que muchos recordaréis.
Por supuesto, y como todos ya sabéis a estas alturas, está todo inventado. Por eso muchos veréis supuestos "guiños" a otras películas: Star Wars, Matrix… pues no es así. Sencillamente esos films marcaron el como hacer escenas de lucha, de artes marciales, de naves, etcétera, por lo que las batallas y luchas nos parecen todas iguales a películas anteriores.
Digna de mención es la aparición del actor galés Michael Sheen, que borda su actuación en el papel del programa Castor, pero su personaje, papel e interpretación es "calcado" del Merovingio de la trilogía Matrix, interpretado por Lambert Wilson. Ya lo dice mi madre: está todo inventado.
Finalmente y a modo de resumen, es una película digna de su antecesora para ver en 3D, pues la mayor parte de sus escenas han sido rodadas exclusivamente para este formato. Desafortunadamente no será una película que pasará a la historia como otras, convirtiéndose en "otra más" que añadir a vuestra filmoteca.
Todo tiene un principio y un final. Y por fin, después de una década las películas de Harry Potter casi cierran ya el ciclo. Y digo lo de casi porque para el que no lo sepa la última, ultimísima película del chico con gafas no cierra el ciclo, sino que es un film que lo han partido en 2 partes. Ahora en el cine podemos disfrutar de la primera mitad del cierre de la saga. Se ve que la gallina de los huevos de oro del muchacho de Hogwarts se muere y hay que aprovechar todo lo posible.
¿Esta la última película a la altura del resto de la saga? Sin duda es una obra para amar u odiar. Los seguidores de la serie no acabaran defraudados, y el público en general la encontrara igual que los demás. ¿Entonces es la misma historia de siempre? Sí, siguiendo el hilo argumental de la novela homónima, pero introduciendo escenas románticas y pintorescas que entorpecen el discurrir de la historia, una historia de huidas continuas que se acaba convirtiendo en tediosa al no seguir la constante acción de las novelas. Claro, el director y guionistas tienen que sacar "escenas de relleno" para justificar las 2 películas.
A pesar de ello, esta muy bien realizada, y los personajes ya casi adultos, con unos efectos especiales acorde con los tiempos que corren. El terror se plasma en algunas escenas, y la magia del mundo de Rowling se percibe en cada esquina. Y es lo que tiene este mundo que ya ha encandilado a varias generaciones, lo que aún permanece en sus películas, a pesar de que el director y los guionistas se empeñen tanto en destruir. Lo bueno de todo (sí, todo tiene su parte positiva) es que, la oscuridad que tanto reinaba en la película esta mucho mejor conseguida. Ahora la fotografía esta mucho más conseguida sin tener que llenar todas las escenas de sombras y oscuridades incomodas al espectador como en la anterior película de la saga.
En resumidas cuentas, una buena película que te gustara, te sabrá a poco o que aborrecerás. El público es en esta ocasión el que decide.
Scott Pilgrim: Contra el Mundo, contra los críticos y contra el público. A veces, las grandes obras maestras pasan desapercibidas en nuestro país. Películas que marcan un ante y un después, y que alguna forma, algunos talentosos somos capaces de percibir.
Y Scott Pilgrim vs Todos es una de ellas. Basada en un cómic canadiense, es la primera obra que conjuga realmente cómic, videojuegos y cine todos a la perfección. Aunque ya se habían realizado algunos experimentos como Planet Terror o en algunas películas basadas en el mundo de la viñeta como Sim City.
Retomando el hilo y el argumento de mis primeras líneas, diré que es una película que va a pasar completamente desapercibida porque no se ha estrenado en todas las salas de cine español. Al ser una obra que ya puedes encontrar en blu-ray en Estados Unidos y al no tratarse de un estreno propiamente dicho, pasará sin pena ni gloria, sin alcanzar cuotas de taquilla dignas para esta obra de arte.
Sin duda será una película que se convertirá en un mito para los aficionados geeks y "frikis" que sorprenderá al público y a aquellos que tenemos 30 años y alguno más, pues son muchos los guiños a nuestras queridas maquinas recreativas.
La acción y guión son espectaculares, con giros argumentales muy. muy divertidos. De hecho, la película puede verse sin tener nociones del mundo "friki" y te hará reír a pleno pulmón. La primera media hora de la película puede parecer una comedia romántica con tintes subrealistas que se convierte al poco tiempo en una película completamente diferente que atrapará la atención, y sobre todo las carcajadas, del espectador.
Y es lo que pretende esta película, arrancar una sonrisa (más bien unas cuantas más) al espectador… y aquellos que tengáis mis años diréis eso de: ¡que buenos tiempos aquellos!
Una excelente película que os recomiendo que no debéis perderos antes de que la quiten del cartel.
GRU, MI VILLANO FAVORITO
Hacer cine de animación a estas alturas es algo difícil, y es más difícil todavía el intentar innovar en un género que parece que está todo hecho. Alguién estuvo pensando en esto mismo hasta que dieron con la receta ideal para sorprender al público con una nueva película con un terrible malvado como protagonista.
Por fin, un villano tiene el papel estelar en un largometraje de animación, algo que ha llevado muchos años. Desde luego, el villano Gru es un personaje entrañable que tienen tanto trabajo que tiene un ejército de seguidores ("minions") para cumplir todas sus órdenes al pie de la letra de forma siempre algo chapucera.
Y aquí es precisamente donde los gags aparecen sin cesar a lo largo de todo el film, gracias a las situaciones totalmente absurdas que el titánico trabajo que Gru se ha impuesto y la ayuda de sus "hábiles" muchachos que nos harán reír durante bastantes minutos.
Pero claro, no hay que dejarse engañar por esas encandiladoras niñas ni por este malévolo villano de segunda fila. Las películas de animación requieren una excelente calidad gráfica, tanto a nivel de personajes como de transfondo. Sin desmerecer, este aspecto raya el suficiente, pero hay muchas escenas no muy elaboradas, y muchos personajes secundarios están bastante mal perfilados lo que hace que la nota de la película disminuya a raíz de este pequeño problema. Bien es cierto que el espectador busca diversión, y eso es algo que tiene más que asegurado.
"Gru, mi villano favorito" no pretende transmitir ningún mensaje como otros críticos más audaces quieran intentar descubrir: una vida e infancia difícil, fracasar en el trabajo para triunfar como padre de familia… en resumidas cuentas, la historia sigue el hilo argumental plano fácilmente deducible sin muchas complicaciones. Es una historia hecha para entretener, no para recapacitar… ¡¡es una película para toda la familia, no para gafapastas universitarios que estudian filosofía por amor de Dios!!
El comienzo de la película es algo flojo con respecto al resto de la película, y el 3D está a las alturas de las espectativas. El público se convierte en cómplice poco a poco del mundo creado por los secuaces amarillos del villano, siguen los pasos de las niñas huérfanas en la malévola vida del villano, y en seguir las andanzas del villano más patético del mundo que quiere convertirse en el más grande. Por supuesto, no faltan las risas finales al terminar los créditos, por lo que bien merece la pena esperar en tu butaca tranquilamente tras finalizar esta pequeña joya deslucida por los pequeños "peros" desgranados ya en la crítica. Cuando la termina la película, el público tiene esa sonrisa bobalicona que se te queda después de haber pasado un buen rato, que al fin y al cabo es para lo que vamos al cine. ¿O no?
Sin lugar a dudas, Oliver Stone ha sabido realizar una película sobre un tema muy actual que nos ayudará a comprender un poco mejor la crisis que nos ha tocado vivir gracias a las burbujas de todo tipo: inmobiliarias, especulativas...
La película es una continuación de la ya famosa Wall Street del mismo director. En esta segunda parte nos encontramos con un Gordon Gekko que ha cumplido 7 largos años de cárcel y sale cambiado, tanto por dentro como por fuera. Jake, un joven financiero pierde a su mentor tras el suicido de este al ver el anuncio del cataclismo bursátil de 2008, y Jake decide vengarse de los causantes del mismo y se alía con Gekko, su futuro suegro, mientras que la hija de este insiste una y otra que la reconciliación con su padre nunca será posible.
La obra es una clara crítica a la época que vivímos, así como una crítica agria y dura contra el capitalismo sin ningún tipo de adornos, sin edulcorarla ni adornarla. Por eso, palabras como bonos basura, derivados, burbuja, inflacción y generación ninja, aparecen en un elaborado guión, que a la par es sencillo para comprender el difícil y enrevesado mundo económico. Frases lapidarias del estilo “los monos hacen dinero, los osos hacen dinero, y los cerdos van al matadero” ayudan al espectador a introducirse en la jerga de brokers y ejecutivos agresivos del año 2000. La historia trata de acercarnos más a los personajes a través de la historia de amor que mantienen Jake Moore (Shia LaBeouf) con su futura esposa Winnie (Carye Mulligan) que es a la vez la hija de Gordon. Michael Douglas en el papel de Gordon Gekko brilla con luz propia cuando vemos al Gordon Gekko de la primera parte, porque Douglas representa al mismo tiempo dos papeles: un Gekko sin dinero y arrepentido, y otro con poder y dinero, algo que gusta al espectador que ve este cambio producirse poco a poco en la pantalla por diversos motivos hasta acabar convertido en el despiadado multimillonario de la película anterior. La historia de amor y la relación padre-hija es totalmente plana, no aporta absolutamente nada a la película, salvo quizás, la excusa perfecta para que Jake y Gordon se encuentren de forma casual. La madre de Jake (protagonizada por la genial Susan Sarandon) es una mujer gris sin ningún papel en la trama principal que bien podría haberse ahorrado el director. La pobre Carey Mulligan, ganadora del BAFTA y nominada al Oscar el año pasado, interpreta a una hija triste y enemiga encarnizada de su padre, y cubre la parte de drama que la película pretende transmitir, que el dinero no da la felicidad (y ya digo que esa parte se la podría haber ahorrado el director). Pero Gekko puede estar muy en contra de esto último dado que todo se puede comprar, incluso el amor.
En resumidas cuentas, una interesante película de un excelente director adornada con toques dramáticos que no conseguirán desviar la atención del espectador de la trama central de la misma: el dinero.
El cine, el séptimo arte, el arte del entretenimiento. Quien iba a decir que con una cámara, un espacio cerrado, un actor y un teléfono íbamos a disfrutar de una de las joyas cinematográficas de esta temporada. Y es que la verdad, ya es muy difícil innovar, pero los vientos de la crisis hacen que los cerebros discurran y los productores busquen buenos productos a buen precio.
Y desde luego, esta producción hispano-australiana es un digno ejemplo. Rodrigo Cortés, el director español, completamente desconocido hasta la fecha, ha realizado una excelente obra que nos mantendrá en vilo a lo largo de hora y media, con una tensión no apta para cardíacos. Sobresaltos, a pesar del escenario, y la situación que parece que no nos va a dar para mucho de sí: Paul Conroy, un transportista, es secuestrado en algún lugar de Irak, y enterrado vivo con un teléfono móvil, una navaja, un zippo y no mucho más. Los secuestradores quieren 5 millones de dólares. Y este es el valiente planteamiento de Cortés. Personajes al otro de la línea telefónica serán los únicos actores que acompañaran a Conroy (Ryan Reynolds) en su angustioso viaje de resultado incierto.
Lo único que no termina de encajar es la sobreactuación de Reynolds en algunas escenas de la película, pero claro, es un difícil papel. El actor canadiense trata de estar a la altura, y en ocasiones lo consigue, logrando atrapar al espectador que se agarra firmemente en la silla, esperando el desenlace de la acción que sobrecoge, por su dureza y realidad, una realidad que muchos han tenido que vivir.
En resumidas cuentas, una película que no debes dejar de escapar mientras siga en cartelera.
Ibáñez, el maestro por excelencia del mundo de la viñeta no sería nadie sin Manuel Vázquez Gallego (Madrid, 1930 - Barcelona, 1995), uno de los padres del cómic español. Su abuelo Cebolleta ya forma parte de nuestro imaginario colectivo gracias a la "Familia Cebolleta" en la que aparecía el emblemático personaje al que he hecho mención.
Este madrileño se afincó en Barcelona, como no podía ser de otro modo, para recalar en la editorial Bruguera, colaborando así en las revistas más famosas de la época: "Pulgarcito, El DDT, Tío Vivo y Mortadelo", donde nacieron de su pluma personajes tan entrañables y famosos para los que ya tenemos alguños años como Anacleto Agente Secreto, Las Hermanas Gilda o la Familia Cebolleta por citar a los más famosos.
Esta película de Óscar Aibar nos conduce a los años de la dictadura para vivir aquella ya lejana época y conocer la Barcelona de la post-guerra, su mundo editorial y lo más underground a través de los ojos de un truhán y un vividor encarnado por Santiago Segura, que resulta ser uno de los dibujantes más famosos de nuestro país de aquel entonces: El Gran Vázquez. Con una estética que nos recuerda mucho a las viñetas salidas de Mortaledo y Filemón o cualquier tira cómica de la época, encontramos simple y llanamente la aventura del día a día a través de las vivencias del ocurrente Vázquez, presentándonos a un personaje pícaro, divertido y extravangante como pocos, digno de los duros años que le tocó vivir. Y aunque parezca que el período histórico no influye mucho, el director (también guionista de la película) nos esboza con inteligentes pinceladas el vivir de aquellos años: censura, franquismo, represión de la mujer, machismo, precariedad laboral, éxodo rural, religión, progreso, sensualidad, erótismo, división azul, persecución política... todo hábilmente encorsetado en guión a la altura de las espectativas y de los medios de la pieza cinematográfica.
No, no es una super producción de cine americano. No hay grandes efectos especiales (pero si divertidas escenas con los propios personajes de Vázquez que interactúan brevemente con el dibujante a lo largo de la película), pero si un guión interesante, una historia vital de un personaje propio que sorprendió a propios y extraños en sus aventuras, engaños y divertidas trapicherias dignas de un Carpanta.
Una producción española con guiños a nuestro cine más nuestro de los 60 y 70, que nos ayuda a conocer a ese Gran Vázquez que da nombre a este film. Santiago Segura se muestra seguro en un papel que le viene perfecto al ser una copia mucho más sobria del Torrente al que nos tiene tan acostumbrados.
En definitiva, una película que gustará a aquellos que quieran conocer un poco más el mundo del cómic en aquellos años, que quieran disfrutar en la recreación brillante de los lejanos años 60 y quieran encontrar una sonrisa en su rostro, recordando a un "monstruo del cómic" que escribió para siempre su nombre entre los mas grandes del mundo de la viñeta en España.
Descanse en paz.
Una película moderna para los chicos de hoy, cargada de los efectos especiales que el proyecto se merece para no decepcionar a propios y extraños. Una obra cargada de guiños a muchas películas directas e indirectamente: la Historia Interminable (el joven protagonista entrando en la librería del señor Koreander), Star Wars... Y a películas de animación tan emblemáticas como Toy Story o como Fantasia, recuperando así la historia del joven aprendíz de Mago Mickey. Escena famosa aquella de las fregonas que vemos en el film, pero no imprescindible en esta película en la que Nicolas Cage participa.
Y esto no es casualidad. Nicolas Cage es un aficionado al mundo del cómic y las novelas de ficción y Fantasia (basta con recordar su última presencia como productor en la serie Dresden, basada en los libros de Jim Butcher, editados en España por la Factoria de Ideas). Por algún motivo, Cage buscaba participar en algún proyecto con magos de por medio, y la fabrica de sueños le ha venido como anillo al dedo, consiguiendo participar en este divertido proyecto.
Una película amena y muy del gusto Disney, que no dejará insatisfecho al paladar poco exigente que busca entretenimiento rápido para una tarde. Amena producción que podía haber aspirado a más, pues el guión daba para dos películas, y se acaba condensando todo en los últimos 15 minutos. ¿Prisa por acabar? Es posible.
En resumen, una película digna de la empresa de entretenimiento más grande del mundo, con actores de segunda fila que tienen que apoyarse en Cage para que el proyecto no naufrague, pero que esta a la altura del propósito último de la obra: el puro entretenimiento.
Debo reconocer que el director hindú tiene algo que siempre me llama a ver sus películas aunque cada vez menos. Airbender no es una película, es la primera parte de una trilogía, pero no es una historia en sí misma, es una nueva manera de sacarte más pasta, cosa que si te lo explican antes pues bueno, tú decides, pero si no sales con esa sensación de que te han cobrado un 60% de más.
La película cuenta una historia fantástica basada en una serie de animación del mismo nombre. Tenemos cuatro naciones, Aire, Tierra, Agua y Fuego viviendo en armonía hasta que esta última declara la guerra a las demás. Durante 100 años domina y esclaviza al resto pero la vuelta del Avatar, el único Guerrero capaz de dominar todas las fuerzas cambiará la historia, aunque para eso deberá aprender a dominarlas.
Partimos pues de una historia ya escrita, sin entrar en la polémica comparación con la serie (excelente por cierto) la película no cuaja por ningún sitio, la historia avanza a trompicones con personajes planos, llevándose la palma los "malos", unas escenas de acción que rayan lo ridículo con el abuso habitual del slow motion de quien no tiene algo que narrar. Y sobre todo el doblaje de los niños protagonistas, absolutamente nefasto.
En ningún momento la historia emociona, nos perdemos en paisajes y escenarios sacados del Señor de los Anillos, saltando de un lugar a otro casi sin enterarnos del porqué y los personajes aparecen y desparecen sin llegar a saber su nombre. El comandante Zhao tiene el mismo carisma amenazante que una servilleta.
Una película que hace buena a La Brújula Dorada.
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